舞蹈与戏剧艺术学院

舞蹈艺术与戏剧艺术之间有许多相似的地方，但这两者又分别属于不同艺术门类，因此舞蹈与戏剧之间的比较研究是艺术理论研究中的一个基本而又重要的课题。从动作与言语、表情与叙事、象征与模仿这三个方面对舞蹈与戏剧之间的界限进行划分，从而剖析舞蹈与戏剧这两类艺术各自的艺术特征。“动作的魅力，即舞蹈的本质。”动作，历来被认为是舞蹈区别于其他艺术的主要特征。在舞蹈理论史上，对舞蹈动作的研究是一个始终不可避免的基本问题。研究舞蹈的基本构成、舞蹈的本质、舞蹈的艺术特征等等问题都会涉及到“动作”。

一、表情与叙事动作与言语，分别作为舞蹈与戏剧的基本艺术形式，必然使舞蹈重在表情而戏剧长于叙事，这是它们的另一个重要区别。回顾一下亚里士多德关于戏剧的那个定义，“悲剧是对于一个严肃、完整、有一定长度的行动的模仿”，对一个完整的行动(事件)的模仿，就是演员用语言和动作把那个事件再复现一次，这就是叙事。在这一点上，舞蹈与戏剧截然分开。因为舞蹈的意义就在于它的每一个动作本身，而这些动作是表现性的，不是叙事性的。“表现性是舞蹈作为艺术的首要意义。”“舞蹈的目的是要表现人类灵魂中最崇高也最内在的各种情感，即那些来自于神，太阳神、森林神、酒神、爱神，并活跃于我们心间的情感。”如果从叙事的角度讲，拙于叙事应该就是舞蹈艺术最大的局限所在。

所以，与戏剧相比，舞蹈是空间性的，对舞蹈的感知依赖于空间，因为“舞蹈只有掌握了空间才能获致它最后的和具有决定性的效果”。对舞者来说，空间才是他真正活动的王国。玛丽·魏格曼充满诗意地描述了舞蹈、舞者与空间的关系：“这一空间它可以打破所有的身体的界限，可以转化为外貌流畅的姿态进入一种无止境的意象里去，有如光线，有如溪流，有如呼吸那样在无止境的自我完成中失去自己的意象中的流畅的姿态。高和低、宽和窄、前向、侧向和后向，水平线和对角线，对舞蹈家来说这些不只是术语或者理论概念。归根到底，他得以他自己的身体来体验它们。

二、象征与模仿表情与叙事之间的区别，其实就是舞蹈与戏剧各自追求的艺术目的的不同。相对应的，为了达到表情与叙事，舞蹈与戏剧必然采用不同的艺术手段。象征，是舞蹈的主要表现手法。所谓象征，也就是象征者和象征物之间存在着某种同构关系，是一种内在的一致性，正如索绪尔所说的。戏剧用模仿来完成它的叙事。所谓模仿，就是模仿物与被模仿物之间在外在形态上达到某种一致。

戏剧的模仿主要体现在演员与角色的扮演关系上，即“用活人来模仿活人”。这种手段与对象之间的一致性，造成了戏剧特殊的艺术效果，直观、直接、直达。在艺术的领域中，“一切艺术存在的权利就在于它在自己的领域中创造了独一无二的表现形式”。从这一点来说，舞蹈就是舞蹈，戏剧就是戏剧。通过以上的论述，我们已经从三个方面把舞蹈与戏剧区别开来，同时也剖析了这两类艺术各自的艺术特征。

*本文来源于去年AAE教学组去美国访校的见闻+之前的知识积累。

加州大学圣塔芭芭拉分校

多数情况下如果你从中国出发奔洛杉矶的话，航班多数在洛杉矶或者旧金山停靠，圣塔芭芭拉距离LA是不远的，大概离洛杉矶机场只有1个多小时车程，穿过LA的城市景观，不多远就能看到很多红瓦白屋的地中海式建筑，芭芭拉就已经在眼前了，开车顺着海边10分钟就会看到一个单独的公路，道路的尽头就是UCSB-加州大学圣塔芭芭拉分校了。

学校有两面是环海的，所以没有特别高的教学楼，但是校园的整个分布更像是一个海滨公园，宿舍教学楼体育场音乐厅星星点点地散落在校园里，三个校园围绕景岛社区从就读体验上真的是没话讲。

当然滨海校园，全年的阳光沙滩并不是芭芭拉分校的全部，学术部分也是在全美占据非常top的位置的；工学院，艺术学院，海洋研究更是王牌中的王牌，最新的USNEWS全美大学排位也是在第30位，而且学校有全美历史的第一位华裔校长田长霖教授以及第二位校长杨祖佑教授，学校对于华人的接纳和友善程度也是没得说的。

作为王牌的艺术学院，音乐，舞蹈，戏剧，电影研究，都有开设相应的学科，音乐学院的氛围也非常棒，很多小剧场更像是小的花园，分布在院里，很多的workshop以及小乐团活动，还是让整个学习的氛围都变得舒服很多的。

南加州大学 USC

从国内飞抵加州多半是在旧金山或者洛杉矶，南加州大学就紧挨着好莱坞，在洛杉矶的城市中心，开车从机场出发的话，不到半个小时就可以抵达学校了。

如果按照咱们对于城市的概念，可能洛杉矶不像纽约波士顿这样的地方，更像是一个城市和城镇结合在一起的巨型城市。很多国内的家长或者学生看到很多新闻说南加大不安全之类的，但其实这块儿区域相对确实是人口组成比较复杂的区域，但是学校的校区内，还是非常非常安全的，亲身经历~24小时的10多辆警车巡逻，间隔50米的报警装置，只要不是在特别深夜的凌晨出来瞎溜达，都是非常非常非常安全的。

作为一所建校超过百年的学校，校园里有历史感很强的红砖建筑和充满人文气息的雕塑铜像，而且在娱乐之都，USC有全美第一的影视艺术学院，单独的Roski艺术学院，Glorya Kaufman舞蹈学院，戏剧学院，Thornton音乐学院，所有和艺术相关的领域几乎都可以在这个学校找到合适的专业和学位，当然作为最好的学校，作品集要求自然需要精益求精，语言要求也是托福至少在100的。

约翰霍普金斯大学

常年稳居全美top10的约翰霍普金斯大学，从中国出发是没有航班直飞马里兰的，多半是飞往美国首都华盛顿DC的航班，1个小时的车程就可以抵达马里兰州的首府巴尔的摩，就像是北京和天津一样，巴尔的摩也是港口城市，除了好吃的龙虾卷和蟹肉饼还有分好型号不太口味的生蚝~当然最重要的这个地方有咱们今天的主角JHU-约翰霍普金斯大学。

作为全美乃至西半球第一所研究型大学，学校的学术研究部分，自然是强到令人发指的地步，拥有全球顶级的医学院、公共卫生学院、国际关系学院，其生物工程、空间科学、社会与人文科学，音乐艺术等领域的卓越成就也名扬世界。

皮博迪音乐学院（Peabody）始建于1857年，与茱莉亚音乐学院和伊斯曼音乐学院齐名的美国三大音乐学院之一。经过时间的洗礼，皮博迪音乐学院渐渐形成了自己庞大而成熟的课程体系，是目前世界上音乐教育课程类型最多的学校之一。除了本科，研究生外，还有大学预备课程，不同类型的音乐夏季课程，线上音乐课程，各种证书课程，表演证书课程，双学位课程等。当然皮博迪音乐学院也是全美开设音乐表演博士项目的156所院校之一。

专业的设置上传统的古典音乐学院应该开设的专业在这里是都可以找到的，同时相对前沿的音乐制作，音乐科技这些也都同样找得到，如果对这些学校感兴趣的话，记得及时咨询哈~~

西方戏剧体系是在基督教文化圈域里的戏剧样式，它与欧洲技术革命以来所建立起来的近、现代工业文明相对应，是在古希腊、罗马戏剧和中西纪宗教戏剧的影响下，逐步走向现代话剧、歌剧、舞剧三种形态的分流。东方戏剧体系是在佛教文化圈域里形成的戏剧样式，它对应于传统文明，奠基于印度梵剧、中国戏曲和日本能乐，具有一致的诗歌舞浑融一体的舞台艺术特征和许多相通的美学风范。东西两大戏剧体系的接触，是在19世纪后期发生的，它使东西两大戏剧体系的概念得以确立。

英国哲学家罗宾、科林伍德曾说：“舞蹈是一切艺术之母，也是一切语言之母。”艺术包括文学、绘画、雕塑、音乐、舞蹈、戏剧、电影、曲艺、建筑等艺术。在艺术划分越来越细的今天，舞蹈作为一门动觉艺术，虽然以人的身体动作为主要表现手段，但是从它产生的那天起就离不开音乐、诗歌、美术等因素。它们同样也是舞蹈艺术的重要组成部分，我选择从戏剧艺术入手阐述其在舞蹈编创中的实际作用，以便总结经验，借鉴学习，因为编舞最重要的是通过舞蹈动作表达一种思想。在舞蹈创作过程中，对其他艺术种类的触类旁通和吸收借鉴，同样都是为舞蹈作品服务的。戏剧艺术作为艺术的一个分支，有许多值得舞蹈学习和借鉴的地方。本文采用总—分—总的分析方法，通过各种现实中的舞蹈和舞剧等实际例子剖析戏剧艺术在舞蹈创作中的作用。

一、三大戏剧艺术体系

戏剧艺术融合了文学、音乐、舞蹈、美术、建筑等艺术元素。戏剧主要是人物的语言和行动，通过一定的故事情节的戏剧性冲突展现。舞蹈编导向戏剧表演学习有益于舞蹈自身的发展。世界戏剧艺术体系主要有三大类，即前苏联的斯坦尼斯拉夫斯基体系、德国的布莱希特体系和中国的梅派体系。当然，除了以上三种戏剧体系外，还有“哑剧”体系。斯坦尼斯拉夫斯基体系的戏剧美学思想———真实反映生活。在与演员的合作上，斯坦尼体系强调演员在舞台上的重要地位，发展演员的创作主动性，通过整体演出来体现导演的风格。强调内容与形式的统一，同时也强调演出各部分之间的和谐一致和演出的艺术完整性。斯坦尼体系关于演员的创作原理和训练方法，斯坦尼斯拉夫斯基被称之为体验派。要求演员投身“我就是”这个角色，要生活在人物原型中，并要求在创造过程中有真正的体验。简单来说，斯坦尼斯拉夫斯基体系主张体验，主张演员与角色合一［1］。俄国舞蹈受斯坦尼斯拉夫斯基戏剧表导体系影响，在1927-1957年创作的大量舞剧都有很强的戏剧性，这个时期被称为戏剧芭蕾时期。代表作如《巴黎的火焰》。我国舞蹈的最高学府北京舞蹈学院，在其舞蹈编导系四年的学习中，当中有一学期的话剧表演课，这从另一个侧面反映出舞蹈作为一门综合性艺术，需要从各门艺术中吸取营养为我所用。话剧的戏剧性冲突，这在舞蹈创作中，尤其是在舞剧的布局上可以很好地借鉴和利用。布莱希特体系既反对演员完全进入角色，又反对观众完全入戏，不断地用陌生化或间离的效果打破演员和观众的共鸣。其最主要的目的是使观众能对角色进行理性的批判而不是被动地跟着戏走，从而在角色、演员、观众三者之间建立一种相互依存而又彼此间离的辩证关系。这种辩证关系使观众深思剧中故事所蕴含的道理［2］。中国的梅派体系主要是因为最先由梅兰芳代表中国戏曲艺术在国内和国际上获得承认及荣誉而得其名。戏曲是一种传统民间文化，它是一种包含了音乐、文学、舞蹈、杂技、表演和舞台美术等多种表现艺术手段的综合性艺术形式。它以剧本为主体，以音乐和表演为中心，表现形式为唱、念、做、打［3］。中国古典舞便是从中国传统戏曲中吸取养分，自成一派。比如中国古典舞中的身韵，便是从戏曲中的身段，包括气息的运用都是从中发展提炼出来的。中国戏曲具有写意性和虚拟化的表演艺术风格，因此影响了中国舞编导的艺术风格和表现特点。三大戏剧体系都在不同层面上影响了舞蹈的创作，尤其在舞剧创作中表现得尤为明显，因此在这里对这三大戏剧体系进行分析和探讨，通过实际例子剖析戏剧艺术在舞蹈创作中的应用，通过举一反三，更好地借鉴和学习，为以后的创作提供宝贵的经验。

二、三大戏剧艺术体系在舞蹈创作中的作用

（一）斯坦尼斯拉夫斯基体系在舞蹈创作中的作用

1995年，现代芭蕾舞剧《天鹅湖》（男版）诞生了。编导马修伯恩，舞剧讲述了在宫廷中长大的王子从小缺少母爱，长大后遇到的女友竟也是管家操纵下的阴谋。在他对生活彻底绝望准备投湖自杀时，遇到了他儿时梦中的头鹅，让他鼓起了对生的勇气。可在一次皇家舞会上，头鹅却变成了一个邪恶的男人出现在他面前，并让他目睹了头鹅和皇后及贵妇们的丑恶行径，忍无可忍的王子拔枪准备向众人开火，他的女友却为保护他被管家杀害，头鹅面对痛不欲生的王子深感懊悔，更为保护王子而献出自己的生命。王子因为痛失真爱而悲伤地离开了人世。该舞剧作品以独具个性的表达方式和深刻的思想艺术性成为20世纪芭蕾舞剧中的经典。编导马修伯恩对戏剧有深入的研究和分析。身为戏剧和舞蹈的全能编导，在现代芭蕾舞剧《天鹅湖》（男版）中，编导充分发挥在戏剧方面的功力。比如第一幕中，编导在塑造人物时大量运用一些哑剧和生活化的动作，使每个人物都显得亲切、真实，体现出现代和后现代艺术的特征，尤其是戏剧冲突的应用，编导基本以某个人物为中心生发出与他（她）人之间的关系，情节推进的同时也刻画人物。编导马修伯恩成功运用斯坦尼表导体系，斯坦尼体系被称为体验派，即要求演员深入角色，斯坦尼派的导演最经常做的就是要求演员深入生活，认真观察、体验、感受，捕捉生活中的特有细节，以便在舞台上形成独特的人物形象。而舞蹈编导则是在深入体验观察生活后，通过对生活细节的提炼、加工，高度的概括，然后在舞台上生动呈现出来。编导马修伯恩融合了二者之特长，充分运用了戏剧冲突和细腻的人物表达，在舞台上进行了集中的体现。该舞剧在英国获得了“奥利尔奖”和“戏剧课桌”奖，还在美国获得了最佳音乐剧导演、最佳编舞和最佳服装的百老汇托尼大奖。我们在作品的创作过程中，可以着重吸取斯坦尼表演体系二点：一是戏剧性冲突。没有冲突的戏剧表演不叫表演，有了戏剧冲突，就有了舞台的摩擦和表现，无论是《罗密欧与朱丽叶》还是《哈姆雷特》，几乎所有悲剧都是以死亡结束，这就增强了戏剧效果，让观众回味思考。二是吸取斯坦尼体系训练的精华。斯坦尼体系的训练，有助于演员细腻地刻画人物性格和内心情感，增强演员在舞台上的表演功力和角色塑造能力，为整体作品效果的强化发挥重要的推进作用。

（二）布莱希特体系在舞蹈创作中的作用

现代芭蕾舞剧《阳光下的石头———梦红楼》改编自我国古代四大名著之一的《红楼梦》。该舞剧于2007年岁末首演于广州，肖苏华任总编导。该舞剧最大的特点便是，虽然以《红楼梦》这部世界名著为载体，却使用完全的颠覆手法和间离效果，既表达了作者想说的话，又采用间离效果让观众理性、积极地思考编导想要说的话［3］55。现代芭蕾舞剧《阳光下的石头———梦红楼》不断给我们制造惊愕和新奇。比如，当宝玉出现在十二钗面前时，她们拿着斗牛士斗篷诱惑宝玉，宝玉却像小牛一样对着斗篷冲来冲去。而当宝玉一气之下把通灵玉丢掉时，众小厮却拿着放大镜和探照灯寻找通灵玉，编导不断用陌生化和间离手法阐述剧情，看似没有一处和原著相符，实际上却有着千丝万缕的联系。比如贾母扮圣诞老人哄宝玉开心一场，贾母不惜调动世界上一切好玩的东西哄宝玉开心，有迪士尼的流氓兔、加菲猫、米老鼠等卡通玩偶，还搬来音乐盒里跳葛蓓莉娅木偶舞的宝钗等。这些东西根本不可能出现在200多年前的大观园里，然而编导安排在舞剧中，完全为剧情服务，同时又让观众达到间离的效果。我们在今后的创造过程中，可以吸收和部分借鉴布莱希特体系的间离效果，让观众一直处于思考状态，跟着演员和编导一起完成整个作品，了解编导的构思和所要表达的内容。同时，布莱希特的间离效果还可以用于舞台上的调度和幕与幕之间的转换，值得好好借鉴、研究。

（三）中国的梅派体系在舞蹈创作中的作用

梅兰芳曾说：“从传统的表演方法中，可以看出京剧的舞台设计不是写实的设计风格，而是有一种民族戏曲歌舞化的写意风格。”［5］（梅兰芳，《谈谈京剧艺术》）由此可以看出，写意是中国古典美学的一个重要范畴。《木兰归》便是这样的作品。该作品的编导是陈维亚，而舞蹈的音乐就是根据豫剧《花木兰》唱段改编的。整个舞蹈的构架、情形和人物形象也是根据著名叙事诗《木兰辞》和豫剧《花木兰》提炼、改编的。在一段唱腔的伴奏下，展现了一个特定的场景。木兰跑马飞驰，自豪妩媚，活脱脱一个假小子的个性特点。戏曲的手、眼、身、法、步之韵味在作品中展现无遗［4］。但编导并没有让戏曲进入舞蹈创作天地便跟着戏曲走，而是让戏曲成为舞蹈的加工材料，为舞蹈作品所服务。

三、结语

戏剧艺术有许多方面值得我们借鉴学习。有话剧剧本改编的舞剧，如曹禺先生的话剧《雷雨》由众多编导改编成舞剧，最著名的莫过北京舞蹈学院王玫老师的现代舞剧《雷和雨》。另外，不同的戏剧体系也给舞蹈和舞剧创作提供了广阔的天地，如再现、戏剧冲突、二重空间、间离效果、意向、情景，等等。舞蹈的最高峰舞剧是大部分汲取了戏剧的养分。比如在作品结构上、节奏上的处理，时空上的营造，以及悲剧、喜剧等审美类型上的划分也是如此。对戏剧艺术的学习，有利于我们开阔思路，更好地为舞蹈创作服务。

#重庆#给大家介绍重庆3所艺术类学校，一所本科、两所专科，有你心仪的学校吗？

1、重庆艺术工程职业学院

重庆艺术工程职业学院是经重庆市人民政府批准成立，教育部备案的全日制普通高等职业院校，承担国家统招任务，面向全国招生；具有独立颁发国家承认的学历文凭的资格。学院依托建筑及装饰行业优势，专注打造艺术设计类、建筑工程类、影视传媒类、信息技术应用类四大特色专业群。举办单位和所属行业丰富的工程案例、广博的社会资源、持续的发展前景，为学院人才培养、学生就业等提供了良好的条件和市场。

学院由重庆港鑫建筑装饰设计工程有限公司（装饰行业全国百强企业）创办，依托建筑及装饰行业优势，专注培养既有艺术素养又有工程技术素养的高端技能人才。现有艺术设计学院、建筑工程学院、工程经济与管理学院、视觉媒体与造型学院、服装与表演学院、公共课教学部、继续教育部等7个教学单位，现有24个专业，36个专业方向，已形成艺术设计类、建筑工程类、视觉传媒类、信息技术类四大专业群。

2、四川美术学院

四川美术学院（简称“川美”），于1940年始建，坐落于中央直辖市重庆，是一所省属本科高校，为中国独立建制的31所普通高等艺术院校之一，中国八大美院之一。其前身为四川省立艺术专科学校，1959年更名四川美术学院。学院具有硕士学位授予权，为全国深化创新创业教育改革示范高校。1950年底调整更名为成都艺术专科学校，1953年与西南人民艺术学院合并，改为西南美术专科学校。

学校现设有中国画与书法艺术学院、造型艺术学院、艺术人文学院、艺术教育学院、影视动画学院、建筑与环境艺术学院、设计学院、实验艺术学院、公共艺术学院。进入新世纪以来，学校教育事业取得迅猛发展，建成了一流的专业美术馆和图书馆、一流的艺术创作社区、一流的艺术教学示范中心、一流的创新创业“众创空间”，在全国专业美术院校中拥有良好的办学条件。

3、重庆文化艺术职业学院

重庆文化艺术职业学院（简称：重庆艺术学校），位于重庆市，简称重艺，是由重庆市文化和旅游发展委员会主管的重庆市唯一公办全日制综合性高等艺术学院。艺校自1985年建校以来，培育出了三届“梅花奖”获得者、中国剧协副主席沈铁梅以及蒋勤勤、殷桃、吕一、朱晓渔等影视明星。2013年升为重庆文化艺术职业学院。

学院先后开设26个专业，设置国控专业4个，立项建设国家级骨干专业2个、生产性实训基地1个、双师型教师培养基地1个、民族文化传承与创新示范专业点2个；立项建设市级重点骨干专业4个、实训基地3个、教学资源库3个、双基地2个（其中培育1个）。已形成艺术表演类、艺术设计类、文化和旅游服务类、文化传播类、学前与艺术教育类五大专业群协调发展的良好态势，并以专业群重组系部，设立音乐系、舞蹈与戏剧系、艺术设计系、学前与艺术教育系、文化与旅游管理系、通识教育系（马克思主义学院）。

以上就是3所学校的详细信息了，供大家参考

百家原创作者：利利讲历史

“芭蕾”一词来源于意大利语，原意仅为“舞蹈”，后经引申，意指“舞剧”，即用舞蹈表演的戏剧。由于舞蹈自古就与音乐密切相关，因此所谓“芭蕾剧”就是一种集舞蹈、音乐与戏剧于一体的综合艺术，而其中以舞蹈为最主要的表现手段。芭蕾的源头虽可追溯到16世纪的意大利，但其真正形成却是在17世纪后期的法国。那现在就和小编一起去了解一下，芭蕾的

18世纪，芭蕾从法国传入俄国，并在那里获得巨大的发展。根据这一线索，我们可以将芭蕾的历史大体分为三个阶段即:芭蕾的形成阶段、芭蕾的成熟阶段和芭蕾的改革阶段。一、芭蕾艺术的形成芭蕾是由欧洲的宫廷舞蹈演化而来的，所以在很长一段时间里它是一种宫廷艺术。自16世纪始，欧洲宫廷，尤其是西欧各国的宫廷，都时兴以舞蹈作为一种高雅的娱乐活动。当时的宫廷舞蹈种类繁多，譬如在意大利有罗曼斯卡舞、吐尔廷舞和沃尔特舞等；在法国有阿勒曼德舞和库朗舞等；在西班牙有萨拉班德舞和基格舞等；此外还有匹茨舞、莎塔雷洛·特迪斯科舞等等。

这些宫廷舞蹈虽然并非芭蕾本身，但可以说它们为意大利和法国的早期芭蕾提供了许多动作语汇。舞蹈史家一般认为，1581年在法国亨利三世宫廷演出的《皇后喜剧芭蕾》是欧洲产生的第一部真正的芭蕾作品。这不仅因为那次演出的质量和规模远远超过以往的宫廷舞蹈表演，更为重要的是因为它具有一个戏剧性的主题。《皇后喜剧芭蕾》之后，法国宫廷便时常有这类芭蕾表演，如亨利四世时期就演出过不下于80部这样的芭蕾。但是，数量尽管不少，质量却不高，其中没有一部超过最初的《皇后喜剧芭蕾》。也就是说，在这段时间里，芭蕾是停止不前的芭蕾的巨大进步，是在17世纪后期路易十四当政时期。

路易十四对舞蹈深感兴趣，而且他本人就是个出色的舞蹈家。由于他的热心赞助，芭蕾有了重大突破。当然，这当中，他的舞蹈教师毕香圃和宫廷乐师兼舞师里是关键人物。路易十四在166年要求毕香圃制定芭蕾规则，毕香圃奉命照办，由此确定了芭蕾的基本技巧。吕里则主管着宫延的演出，还为舞剧写了不少乐曲。后来，芭蕾变得越来越专业化，其技巧虽然来自古典时期的宫廷舞，但动作由接近地面逐步改变为离开地面，了腾越步、跳步和空中交叉步，动作设计从水平方向变到垂直方向。从毕香圃规定的5个脚位和12个手臂位置，发展成了一整套内容广泛的步伐变化，这样就奠定了芭蕾的基本技巧和训练的基本规程。

到了18世纪，法国宫廷已拥有众多的芭蕾舞蹈家，他们开始到欧洲各国的宫廷去作巡回演出。出于对当时影响最大的法国宫廷的仿效，欧洲各国宫廷如奥地利、俄罗斯以及北欧诸国的宫廷也纷纷建立了芭蕾舞团。这样，虽然芭蕾此时仍然仅仅是一种宫廷娱乐形式，但它至少已成了一种国际性的艺术活动，而且更为重要的是它已有了自身的固定程式。至此，芭蕾作为一种艺术样式便已基本确立。20世纪初，终于有两位俄罗斯巨匠，即福金和佳吉列夫，打破过去传统的束缚，对芭蕾作了彻底改造。但是，芭蕾的革新不是发生在圣彼得堡或莫斯科，而是在巴黎。福金出生于彼得堡，原先是独舞演员，后来以编导和教学出名。

在1909年到1914年间，他在巴黎很快成为著名的舞剧编导。他在这期间上演的一些主要作品如《伊戈尔王子》《仙女们》《狂欢节》《火鸟》《玫瑰仙子》等，至今仍是保留剧目。福金对芭蕾所作的改革，概括起来有5个基本原则:（1）抛弃传统的现成动作，每部舞剧都创作合适的新动作；（2）抛弃传统的解说性舞蹈片段，加强舞蹈的戏剧表现力；（3）抛弃有时连演员本人也不理解的传统手势语言，运用演员整个人体去传达思想感；（4）抛弃与剧情内容无关的传统群舞，运用群舞配合展现舞剧主题（5）加强音乐、舞蹈、布景、服装等的统一效果，特别是音乐，应该是统一于编导计划的完整乐曲而不能是一些互不连贯的片段。如果说福金的贡献是艺术方面的，那么佳吉列夫的主要贡献则是舞团组织方面的。

1909年，佳吉列夫组织帝国剧院一群著名俄国舞蹈家去巴黎演出。这些舞蹈家中包括福金、巴芙洛娃、卡莎薇娜、尼京斯基和莫德金等人，演出的舞剧大半是福金的作品。这舞团后来就被称为“佳吉列夫舞团”，在西方各大城市作巡回演出，激起了人们对芭蕾艺术的兴趣。此外，这个由佳吉列夫主持的舞团还造就了不少有世界声誉的明星演员和杰出编导家，有的还形成独自的流派，譬如巴兰钦，他出自这个舞团，后来对美国的芭蕾发展产生了巨大影响。至于佳吉列夫的两位巨星尼京斯基和巴芙洛娃，他们的声誉简直使他们成了传奇人物。由于福金在艺术上的革新和佳吉列夫在世界各地所进行的一系列成功的演出，芭蕾彻底打破了传统的束缚，重新获得了剧场形式的表现力量。

到20年代，革新后的芭蕾成了受到崇高评价的一种真正的国际艺术。在这过程中，佳吉列夫舞团就像春风一样在各国再度吹开了芭蕾之花。芭蕾在20世纪最初30年间的发展是和当时的现代艺术运动联系在一起的。它既受到其他艺术部门，如音乐、绘画、戏剧等的巨大影响，也受到来自舞蹈领域内部的刺激，如伊莎多拉·邓肯所倡导的“现代舞”，就给予福金以深刻的启示。

到了20世纪50年代，芭蕾又出现了新的动向。这次是以所谓的咬交响乐芭蕾”为主流，目的在于使芭蕾成为一种抽象艺术。不过，这种芭蕾已不属于古典芭蕾，而应称作“现代芭蕾”了。好了，今天的分享到这里就结束了。如果有什么好的建议或者意见，欢迎在评论区留言哦！喜欢的话，记得收藏或者分享给你的小伙伴哦！

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